Les Secrets de la peinture

Pratique et théorie de la peinture, de la manière et de la matérialité dans l’art du XVIII^e siècle français

Colloque international, 7–8 décembre 2023, DFK Paris

organisé par
Deborah Schlauch (Herzog August Bibliothek Wolfenbüttel / Universität Marburg)
Marie Isabell Wetcholowsky (Universität Marburg)
Markus A. Castor (DFK Paris)

Si l’éloquence, et surtout la poésie, […], ces deux muses ont besoin des mots, des sons et des articulations qui conviennent le plus parfaitement à ce qu’elles veulent exprimer, combien plus la peinture, qui n’a pour elle qu’un instant, doit-elle avoir attention à choisir les couleurs générales et particulières qui concourent à la réussite de son entreprise ?

De l’harmonie et de la couleur, par M. le comte de Caylus, Amateur

Dans la citation ci-dessus, tirée de la conférence que le comte de Caylus avait tenue en novembre 1747 à l’Académie Royale de Peinture et de Sculpture, l’amateur pose la couleur comme l’une des conditions essentielles de l'harmonie du tableau, tout en la jugeant néanmoins inférieure au clair-obscur. Dans ce cadre, il évoque une corrélation entre la couleur et le langage qui est bien plus qu’une référence au Paragone, lequel avait jadis été à l'origine de la fondation de l’Académie. Ainsi, sa réflexion se retrouve-t-elle dans un débat qui tente de traduire en mots le phénomène des couleurs, entre les implications des sciences naturelles (Isaac Newton), les préoccupations de la pratique artistique, les conditions techniques de la chimie et les critères de l’histoire de l’art. Favorisant Le Corrège plutôt que Titien et malgré toutes ses références à l’Antiquité (Pline), il ne renonce néanmoins pas à s’attacher à la peinture et à la matérialité (les pigments comme l’orpin ou le bleu outremer) des œuvres ainsi qu’aux « teintes » et à leurs proportions dans le tableau. La couleur de la peinture devient un critère de distinction pour le connaisseur, celui des écoles et des époques, des manières, elle se voit confrontée sur le fond à toutes sortes de débats contradictoires, bien au-delà de ce qu’on appelle la « Querelle du coloris ».

Nous entendons revenir sur ces aspects du débat sur la couleur exemplairement présentés ici dans leurs éloquents croisements, en nous attachant aux terminologies, à l’usage dans le langage et aux argumentations. En tant que travail de langage par rapport à une œuvre, les différents discours – par ex. chez Roger De Piles, Jean-Baptiste Dubos, Louis-Bertrand Castel, Antoine Coypel, chez le comte de Caylus, Jacques Gautier d'Agoty ou Denis Diderot –, interprétables selon les catégories de l’iconographie, de la théorie des couleurs ou de l’anthropologie historique, ne sont compréhensibles que si on les rapporte à leurs objets et à la matérialité qui les constitue. 

Mais sur le plan de la méthode et de l’historiographie de l’art, les choses se compliquent. On peut inscrire le retour vers la matérialité, ce qu’on appelle le material turn, dans la dialectique qui, après des décennies durant lesquelles l’histoire de l’art s’était concentrée sur la théorie, a provoqué un retour aux œuvres en tant qu’artefacts et à leur ontologie matérielle. On a également réalisé, principalement à la suite de Bruno Latour, que dans les positions souvent inhérentes à cette sorte de turns entrent des moments idéologiques. Mais cette nouvelle orientation vers l'empirisme – souvent accompagnée d’une nomenclature métaphorique autour des concepts de l'anthropologie (Daniel Miller) et de l'archéologie – reste elle-même subordonnée à une conception épistémologique. Dans le contexte d’un cadrage sur les sciences de l'image et du fait de la proximité avec la praxéologie (practical turn), seul change parfois le design de la théorie. On interroge par exemple la manière dont le savoir peut s’exprimer et agir à travers les choses ou les objets dont la création et l’usage sont culturels. Que peut-on dire d’une société, d’une culture ou de son histoire à partir de leurs artefacts ?

Sur la base de cette sorte d’appropriations reposant sur le langage, le colloque se propose de retourner la question de la « culture matérielle » en prenant en compte l’historicité du langage, dans la mesure où les interprétations des éléments « matériels » se font directement en même temps que voient le jour les objets conçus de telle manière et non de telle autre. Comment la société, la culture agissent-elles sur la conception de leurs objets ? Les deux perspectives sont légitimes, leur simultanéité et leur coexistence renvoient à des tautologies souvent négligées, telles qu’elles ont été décrites depuis François Fénélon jusqu’aux « antinomies de la raison pure » d’Emmanuel Kant. 

Le colloque se veut une première tentative de reset de la perspective empirique dans le regard porté sur la peinture en tant que legs matériel spécifique des beaux-arts, et ce à l'exemple de la peinture française du XVIII^e siècle. Car où pourrait-on espérer comprendre les connotations de la matière sous une forme plus concise et plus réfléchie que dans les débats du siècle des Lumières qui ont précédé l’éclosion de l’histoire de l’art en tant que science.

Que peut donc légitimement dire la peinture, en tant que travail artistique technique, des conditions sociologiques de l’art, et que dit de la peinture des tableaux, du fecit, la réflexion théorique formulée dans les témoignages critiques – salons, conférences d’académie, traités ? La constitution du connoisseurship répondant au canon des normes aristocratiques, le discours sur la formation des artistes et l’avènement de la critique d’art, et face à tout cela, la pratique dans les académies et les ateliers. Dans un tel système de rétroaction, avec une multiplication incrémentielle au cours du siècle des moyens techniques de la peinture (encaustique, pastel, procédés d’impression en couleur) et un marché de l’art en pleine transformation, on voit se développer un regard précis sur le travail du pinceau et une terminologie décrivant les capacités « artisanales ». Tout cela s’exprimant notamment dans une peinture auto-représentative qui, souvent dans des autoportraits ou des allégories, met en avant ce qui constitue l’essentiel de la production picturale.

Le colloque se propose d'explorer ces phénomènes à travers des études individuelles en se concentrant sur les œuvres à travers trois aspects essentiels :

1. Pratique de l'image, pratique du mot : l’analyse descriptive comme méthode à partir d’exemples choisis (ekphrasis de la couleur, savoirs du connaisseur, histoire de l’art)
2. Théorie : la peinture entre réflexion de l’artiste et critique d’art (discours académique et critique d’art)
3. Avec délicatesse et sprezzatura : nomenclatures et poësis de la description du tableau

Notre propos vise à un positionnement et une clarification herméneutique des implications pratiques et théoriques de la transmission matérielle de l’art et de sa description. Les connaissances et les compétences accumulées par l’histoire de l’art en matière d’observation de la production matérielle des œuvres et de leur traduction, sont confrontées à une succession rapide de turns et de nouvelles problématiques qui parfois nous éloignent des œuvres. Si nous nous interrogeons sur le langage qui s’emploie à saisir le style, la manière, la technique et la touche au moment de l’exécution de l’œuvre, une clarification herméneutique fait sens bien avant la méthode anatomique comparative de Giovanni Morelli et la catégorisation de l’observation a posteriori. C’est au XVIIIe siècle que se constituent les outils d'une proto-histoire de l’art qui apparaît comme spécifiquement de l’ordre du langage. Nous nous interrogerons sur ces instruments du savoir reposant sur le langage qui, intégrant le regard sur la peinture, les moyens picturaux, les lasures et les recettes, sur le travail du geste et la manière, permettent d’appréhender la combinaison de l’œil et de la main en tant que partie intégrante de l’histoire de l’art, entre connaissance de la production des œuvres picturales et objet de réflexion théorique sur l’art.

Les propositions de sujets (max. 3000 signes) pour des interventions de 30 minutes sont à adresser avant le 15 septembre 2023 à l’adresse mail suivante : kolloquium@dfk-paris.org.
Les interventions peuvent être réalisées en allemand, anglais ou en français.

ÉMERGENCE

Du lieu à l'espace des images dans l'art français du XVII^e au XIX^e siècle

Colloque International
9-10 Décembre 2022 au Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris), Hôtel Lully, 45, Rue des Petits Champs, 75001 PARIS
Conception : Markus Castor, Julia Kloss-Weber et Valérie Kobi

(Pour de plus amples informations, veuillez télécharger le document PDF ci-contre)

La question de l'émergence des formes de l’expression picturale peut être appréhendée comme celle du lieu ou, peut-être mieux encore, comme celle de l’espace des images. L’approche classique de l’esthétique de la réception part déjà du principe que les images sont constitutivement adaptées à un sujet qui les regarde et que cette relation à un spectateur se reflète de manière déterminante dans les structures internes des images, voire qu’elle se trouve conceptuellement à leur base. Cette position n’est compréhensible que dans la prise en compte des configurations spatiales internes à l'image et dans leur rapport à l’espace d’exposition, c'est-à-dire dans l'imbrication entre espace de l'image et espace du spectateur.
Dans sa théorie esthétique des atmosphères, Gernot Böhme a cerné cette relation fondamentale entre l’objet matériel et le spectateur, en attirant notre attention sur l’ajustement mutuel de ces deux composantes (Böhme 2001, p. 54). De récentes publications ont continué à thématiser cette relation en tant qu’espace intermédiaire de l’esthétique (Breitenwischer 2018). En somme, dans le prolongement des débats sur les actes d’image, on pourrait parler d'une réalisation de l'image dans un entre-deux esthétique produit par la dialectique entre l’œuvre et le spectateur.

La période d’étude visée est celle des XVII^e et XVIII^e siècles. Les contributions qui développent de nouvelles positions théoriques sont particulièrement bienvenues. Les communications portant sur le XIX^e siècle sont également acceptées, pour autant que les thèmes abordés soient en rap-port avec des pratiques ou des discours des siècles précédents.

Les communications individuelles sont limitées à 30 minutes, les communications en tandem à 40 minutes. Les résumés (environ 300 mots) peuvent être soumis dans les langues du colloque (allemand, français et anglais) et doivent être envoyés avec un court CV en un seul PDF aux trois adresses électroniques suivantes : Julia Kloss-Weber (julia.kloss-weber@uni-hamburg.de), Valé-rie Kobi (valerie.kobi@unine.ch) et Markus A. Castor (mcastor@dfk-paris.org). Date limite de dépôt des candidatures : 30.06.2022. Les réponses seront rendues dans le courant du mois de juillet 2022.

Georg Ludwig Friedrich Laves and Colleagues: Architects as Designers of Interiors and Furniture (1770-1860)

Hanover, 17–18 March 2023

Georg Ludwig Friedrich Laves (1788-1864), among the most important representatives of classicism in Germany, decisively shaped the image of the city of Hanover with his urbanplanning designs and structures. Numerous secular buildings, including the Leineschloss in the city centre – the residence of the kings of Hanover from 1837 to 1866 and today the seat of the Landtag of Lower Saxony – as well as the reconstructed Schloss Herrenhausen and private palace, are reminders of this court architect of the Kingdom of Hanover. Building alterations and new constructions based on his designs have survived in various places in what is now Lower Saxony, including Schloss Derneburg and the Schloss Celle. As part of these projects, Laves also designed the corresponding interiors, which put him in line with his famous contemporaries Karl Friedrich Schinkel (Berlin), Leo von Klenze and Jean-Baptiste Métivier (Munich), and Johann Conrad Bromeis (Kassel). A majority of the interiors designed by Laves were destroyed in World War II – such as the representative halls of the Leineschloss (1834-36) and the living quarters of the royal family in the Palais an der Leinstrasse (ca. 1818 and later) – and the furniture scattered. Based on the research project of Thomas Dann, who has a comprehensive view of designs for furniture and interiors thanks to his many years of archival work and research around surviving furniture, the Museum August Kestner is showing the
exhibition G. L. F. Laves – ein Hofarchitekt entwirft Möbel from 6 November 2022 to 26 March 2023. For the first time in Hanover, a selection of Laves’s drawings for furniture and interiors will be on view, together with examples of furniture created according to his designs. Parallel to the exhibition, mobile – Gesellschaft der Freunde von Möbel- und Raumkunst e.V., the Museum August Kestner, and the Deutsches Forum für Kunstgeschichte Paris are organizing an international conference that seeks to place Laves’s furniture and interior designs in a larger historical and cultural context. Among the well-known architects who were frequently encountered in the 19th century and who – like Laves in Hanover – designed interiors as well as furniture were the English architects Jeffry Wyatville, John Nash, and Thomas Hope, along
with Charles Percier, Pierre François Léonard Fontaine, and Jakob-Ignatz Hittorff in France and Pelagio Palagi in Italy. It is this special aspect of his work that is the focus of the conference “Georg Ludwig Friedrich Laves and Colleagues: Architects as Designers of Interiors and Furniture (1770-1860),” with particular emphasis on the furniture designs. From an expanded European perspective, the question of the defining characteristics of architects’ furniture will be taken up. Further themes and questions might include:

• What sources of inspiration/role models are called upon and what materials are preferred for the execution?
• What role do surrogate materials play, such as decoration in stucco or sheet iron and zinc?
• How did the transfer of knowledge transnationally between the architects and craftsmen work?
• What is the relationship between architect and client when it comes to the design of interior spaces?
• What sources are there on the collaboration between designers and the executing tradesmen?

The conference will take place on 17–18 March 2023 in the Museum August Kestner in Hanover and is geared towards junior and early career scholars. Proposals for a 20-minute presentation (abstract of 300 words maximum; the conference languages are German and English) together with a short biography (incl. email and physical address as well as institutional affiliation) should be emailed to the following address by 12 September 2022: laves@dfk-paris.org You will be informed of the outcome of your submission by the beginning of October 2022 at the latest.
The conference was organized by Mirjam Brandt (Museum August Kestner, Hanover), Andreas Büttner (Städtisches Museum Braunschweig), Jörg Ebeling (Deutsches Forum für Kunstgeschichte Paris), Martin Glinzer (art historian, Berlin), Henriette Graf (Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg), Petra Krutisch (Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg), and Sally Schöne (Museum August Kestner, Hanover).

Les intérieurs historiques et le numérique – possibilités et limites des reconstructions virtuelles pour la recherche

Colloque international
Organisé conjointement par le Centre allemand d’histoire de l’art Paris, le Mobilier national et le Centre de recherche du château de Versailles

Lieu : Paris et Versailles, France
Date : 17 et 18 novembre 2022
Contact : interieursetnumerique@dfk-paris.org

La reconstruction virtuelle d’intérieurs historiques – de l’architecture en passant par la décoration murale et le mobilier jusqu’aux textiles – est un instrument de médiation culturelle qui a fait ses preuves ces dernières années, en particulier dans le monde des musées et des expositions, mais aussi dans les monuments historiques et en archéologie. Depuis une période récente, cet outil est en outre utilisé spécifiquement par la recherche en histoire et en histoire de l’art pour l’étude des intérieurs historiques. Les questions de proportions spatiales ou encore les unités architectoniques fondamentales sont ici au premier plan, l’accent étant souvent mis sur la possibilité de visiter virtuellement ces espaces, soit sur un écran 2D, soit avec un casque immersif.

Concernant en revanche la restitution des caractéristiques esthétiques des intérieurs, lesquelles dépendent étroitement des matériaux qui les constituent, les diverses solutions existantes sont à l’heure actuelle insuffisantes, tant sur le plan esthétique que scientifique. La reconstruction virtuelle d’intérieurs dans leur état d’époque à partir de sources historiques permet certes le choix de matériaux dont l’utilisation réelle ne serait plus défendable aujourd’hui, que ce soit pour des raisons de conservation préventive, d’éthique ou encore de financement. Néanmoins, la multiplicité des matériaux tels que les différents bois, les métaux et les textiles, mais aussi les structures de leurs surfaces respectives, les nuances de couleurs ou encore les traces de la fabrication artisanale ne sont restituées que de façon rudimentaire dans les modèles élaborés jusqu’à présent. Comment inclure de manière contrôlée les caractéristiques inhérentes aux matériaux, les marques laissées par l’usage et les irrégularités que révèlent les observations effectives dans les modélisations, afin que celles-ci offrent une perception plus adéquate ? Il semble que l’espoir exprimé dès 2013 de dépasser rapidement les surfaces excessivement aseptisées des modèles numériques n’ait pas encore abouti (Kohle 2013, p. 166).

En mettant l’accent sur les intérieurs historiques, ce colloque met en lumière des problèmes fondamentaux de la recherche actuelle. Il s’agit d’abord de la question non encore totalement résolue de l’utilité des modèles virtuels tridimensionnels – souvent issus du secteur des jeux vidéo – en tant qu’instruments voire auxiliaires de la recherche en histoire de l’art. On ne peut y répondre de façon satisfaisante sans interroger également la genèse et la transformation de l’objet étudié et la représentation d’un ou plusieurs états (plan initial, possibilité de masquer des travaux et modifications documentés). Bien que la recherche et en particulier l’archéologie aient déjà établi une tradition au moyen de modélisations haptiques comme numériques de l’espace, l’histoire de l’art semble encore très en retrait sur ce terrain (Messemer 2020). Une telle attitude circonspecte est sans commune mesure avec la croissance continue des modèles tridimensionnels et des applications de réalité augmentée utilisés pour la transmission de connaissances dans les musées, ou encore en lien avec les monuments et les lieux de mémoire (Jeffrey 2021).

De surcroît, cette réserve apparaît en contradiction avec le postulat maintes fois réaffirmé de la capacité des modèles numériques de densifier la réflexion scientifique au-delà des possibilités du langage (Pfarr-Harst 2020). L’analyse des intérieurs historiques implique de confronter les structures architecturales aux objets mobiles. Pourtant, ceux-ci ont jusqu’à présent été majoritairement considérés séparément dans l’utilisation scientifique des modèles tridimensionnels. C’est pourquoi la plupart des discours s’intéressent soit à la dimension architecturale des espaces, soit aux objets eux-mêmes, pris isolément. Dans ce contexte, il nous semble important de relever que les modélisations 3D d’objets (ex : éléments de mobilier) suscitent bien plutôt des discussions sur les aspects ayant trait à la reproduction et à l’authenticité, ou encore depuis peu sur les questions d’appropriations culturelles (Jeffrey et al. 2020 ; Jeffs 2020). Quant à la mise en scène des représentations sociales et du pouvoir (Hoppe/De Jonge/Breitling 2018), qui s’incarne dans la perception visuelle et corporelle des espaces (dans leur utilisation, notamment cérémonielle), elle reste insuffisamment véhiculée par les reconstructions virtuelles, de même que la dimension de l’usage des objets – sièges ou secrétaires par exemple – comme constitutive de l’expérience de la pièce. Outre l’exploration de scenarii d’utilisations historiques comparées aux exigences modernes, la modélisation des propriétés acoustiques et thermiques d’espaces qui étaient abondamment garnis de textiles (tapis, rideaux, tentures murales, baldaquins et Gobelins) ouvre de nouvelles perspectives de recherche du plus haut intérêt. De façon générale, l’absence de ces éléments sensoriels qui font partie intégrante de l’art de la décoration intérieure constitue une limitation considérable des avantages potentiels de la représentation virtuelle.

Le colloque international organisé conjointement par le Centre allemand d’histoire de l’art Paris, le Mobilier national et le Centre de recherche du château de Versailles permettra un échange d’informations entre spécialistes du monde des musées, historiens et historiennes de l’art et expert(e)s en reconstruction numérique et modélisation 3D. Il sera l’occasion de s’interroger sur les étapes préalables à la modélisation et à la restitution virtuelle, sur la phase de création de l’outil et d’échanges entre les historiens de l’art et les techniciens et, enfin, sur la réception par le public et le devenir de tels outils une fois ceux-ci aboutis. Il permettra en outre à de jeunes chercheurs et chercheuses de présenter leurs propres projets de recherche et de les soumettre à la discussion dans un cercle de spécialistes du domaine.
Le colloque se déroulera, en présence et en vidéoconférence (DUAL MODE), dans la salle des conférences du Centre allemand d’histoire de l’art Paris et dans l’auditorium du château de Versailles les 17 et 18 novembre 2022.

Comité d’organisation : Muriel Barbier (Mobilier national), Marc Bayard (Mobilier national), Markus A. Castor (Centre allemand d’histoire de l’art Paris), Jörg Ebeling (Centre allemand d’histoire de l’art Paris), Anne Klammt (Centre allemand d’histoire de l’art Paris), Benjamin Ringot (Centre de recherche du château de Versailles) ; Mathieu da Vinha (Centre de recherche du château de Versailles).

Les communications seront limitées à 30 minutes. Les propositions en français ou en anglais d’environ 3 000 caractères (espaces compris) devront comprendre le titre de la communication et le résumé de la proposition et être accompagnées également d’une courte biographie (1 200 caractères) et des coordonnées du candidat. Elles sont à adresser avant le 05 juin 2022 à interieursetnumerique@dfk-paris.org.
Les candidats recevront une réponse quant à leur participation au colloque avant le 05 juillet 2022.

Bibliographie indicative

Barbier, Muriel et Pénet, Pierre-Hippolyte, « Le lit du duc Antoine de Lorraine et de la duchesse Renée de Bourbon : une nouvelle vie grâce au numérique », In Situ [En ligne], 40 | 2019, mis en ligne le 15 septembre 2019, consulté le 23 février 2022. URL : http://journals.openedition.org/insitu/24089 ; DOI : https://doi.org/10.4000/insitu.24089

Hoppe, Stephan, Krista De Jonge, et Stefan Breitling. 2018. « The Interior as an Embodiment of Power: The Image of the Princely Patron and its Spatial Setting (1400-1700) ». PALATIUM e-Publications. https://doi.org/10.11588/ARTHISTORICUM.398.

Jeffrey, Stuart, Siân Jones, Mhairi Maxwell, Alex Hale, et Cara Jones. s. d. « 3D visualisation, communities and the production of significance », International Journal of Heritage Studies, 26.9 : 885‑900. https://doi.org/10.1080/13527258.2020.1731703.

Jeffs, Amy. 2020. « Digital 3D Modeling for the History of Art ». Dans The Routledge Companion to Digital Humanities and Art History. , 13 pages. Routledge.

Jordan, Michel, Ringot, Benjamin, « Le projet VERSPERA. Numérisation, recherche et modélisation 3D des plans d’Ancien Régime de Versailles », in Patin, Stéphane (dir.), Les enjeux du numérique en sciences sociales et humaines. Vers un homo numericus ?, Paris, Éditions des archives contemporaines, 2020 ; https://doi.org/10.17184/eac.3432

Kohle, Hubertus. 2013. Digitale Bildwissenschaft. Glückstadt : Hülsbusch. https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/2185/.

Le Pareux, Philippe, « Modéliser les palais disparus », Palais disparus de Napoléon, cat.exp. 15 septembre 2021-16 janvier 2022, Paris, Mobilier national, Paris, In Fine, 2021, p. 253-257.

Messemer, Heike. 2020. « Digitale 3D-Modelle historischer Architektur: Entwicklung, Potentiale und Analyse eines neuen Bildmediums aus kunsthistorischer Perspektive ». Computing in Art and Architecture. https://doi.org/10.11588/ARTHISTORICUM.516.

Pfarr-Harst, Mieke. s. d. « Digitale 2D- und 3D-Visualisierungen als ikonische    Erkenntnismodelle? Eine kritische Betrachtung ihrer   Entstehungsprozesse, Potenziale und Herausforderungen   im Kontext objekt- und raumbezogener Fragestellungen ». Dans Bilddaten in den   Digitalen Geisteswissenschaften. Sous la direction de Canan Hastik et Philipp Hegel, 16 : 101‑16. Episteme in Bewegung, Beiträge zu einer transdisziplinären Wissensgeschichte. Wiesbaden : Harrassowitz. DOI: 10.13173/9783447114608.101 https://www.harrassowitz-verlag.de/pdfjs/web/viewer.html?file=/ddo/artikel/80725/978-3-447-11460-8_Free Open Access Download.pdf.

Rensinghoff, Berenike, Eine digitale Teilrekonstruktion des Palais Beauharnais in Paris : Open Source Modellierung und Evaluation verschiedener 3D-Viewer = A digital partial reconstruction of the Palais Beauharnais in Paris ; Open Source Modeling and Evaluation of various 3D Viewers, Bamberg: Masterarbeit, Otto-Friedrich-Universität Bamberg, /Masterarbeit, Hochschule für angewandte Wissenschaften Coburg 2021.

Riedinger, Christophe, Tabia, Hedi, Jordan, Michel. Restitution 3D de monuments historiques à partir de plans anciens. TS. Traitement du Signal, Lavoisier, Cachan, 2015, 32 (1), pp.87-108.

Mobilités artistiques à l’époque moderne : XVII^e et XVIII^e siècles 

Colloque international
Coorganisé par le DFK Paris et l’Université Grenoble Alpes/LARHRA

Lieu : Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris), Paris, France
Date : 27 et 28 octobre 2022
Contact : marlen.schneider@univ-grenoble-alpes.fr 

Le spatial turn a fortement impacté la manière de penser certains phénomènes artistiques. Il a entre autres permis une réévaluation d’une géographie de l’art, qu’il convenait toutefois d’actualiser et de nuancer : Thomas DaCosta Kaufmann et beaucoup d’autres ont exposé les possibilités pour l’histoire de l’art qu’offre une « nouvelle géographie », qui met notamment en cause des concepts géographiques anciens de l’espace comme quelque chose de stable, immuable et constant. Au contraire, en juxtaposant la dimension spatiale de l’art – la géographie – et sa dimension temporelle – l’histoire – les délimitations que nous pouvons établir entre différents espaces culturels, politiques, voire nationaux, s’avèrent en mouvement, en évolution dynamique continue. La question de l’identité se pose, des caractéristiques et délimitations spatiales d’une école, d’un style etc. qui ont été forgées dans un certain contexte local, comme une ville, une cour, ou un pays, auquel s’ajoutent les multiples inspirations venues d’autres espaces au fil du temps, par le biais de la circulation des idées, des objets et des personnes. 
Afin de mieux comprendre cette complexité spatiale de la production artistique à l’époque moderne, il convient d’étudier de près les mécanismes et enjeux d’un de ses moteurs principaux : la mobilité artistique, qui comprend la circulation des objets tout comme celle des personnes. Alors que plusieurs études récentes portant sur le marché de l’art et des pratiques de collections ont éclairé certains aspects de la mobilité des objets à l’échelle internationale, voire globale, celle des artistes n’a pas encore fait l’objet d’une étude systématique et synthétique pour les XVII^e et XVIII^e siècles. La recherche récente s’est intéressée à certains phénomènes, contextes géographiques et groupes d’artistes spécifiques, comme la mobilité des artistes depuis ou vers les Pays-Bas, le voyage en Italie, la Schildersbent à Rome, l’exile des artistes suite à la Révolution française, ou bien le Refuge huguenot des artistes et artisans au Royaume-Uni. 
L’objectif du colloque est de croiser ces différents regards qui ont été portés sur la mobilité artistique, d’un point de vue géographique et thématique, et de les élargir, afin d’en dégager les mécanismes générales, spécificités locales et problèmes méthodologiques transversaux : Comment l’étude de la mobilité des artistes à l’époque moderne nous permet-elle de façonner la cartographie de l’art autrement ? Etudier la mobilité des artistes met en question nos critères de classement et d’attribution d’une identité géographique et culturelle aux acteurs et objets artistiques. Les déplacements des artistes, leurs parcours entre différents pays et centres culturels, nécessitent de penser en de nouveaux termes : au lieu d’une seule identité nationale, le concept d’identités multiples – déjà très discuté pour la période contemporaine – pourrait être utile. Dans certains cas, il est aussi question d’identités « déracinées », qui peuvent aller de pair avec une intégration et adaptation compliquées dans les nouveaux lieux d’activité. Comment établir alors des grilles de lecture qui prennent en compte ces identités multiples et hybrides qui résultent d’un parcours et d’une pratique artistique « transfrontaliers » ? 
Nous invitons à soumettre des propositions qui s’inscrivent dans ces questionnements à travers des études de cas, pouvant aller du parcours individuel d’un seul artiste aux véritables mouvements de groupe, au sein d’un même pays, en Europe, ou bien à l’échelle globale. Les différents motifs pour les déplacements des artistes seront interrogés – formation, exploitation d’un nouveau marché, migration politique –, tout comme l’impact de ces circulations sur les carrières et la production des artistes. Il s’agit de contribuer à l’histoire sociale des artistes à l’époque moderne et de mieux connaître les conditions pratiques de cette mobilité avant 1800, alors que les moyens de transport et de communication, les structures politiques et sociétales posèrent un cadre parfois difficile et contraignant aux artistes en déplacement. Le colloque sera aussi l’occasion de discuter de l’apport des humanités numériques pour l’analyse et la visualisation des parcours, des étapes et des réseaux des artistes mobiles. Un enjeu particulier de l’étude de la mobilité artistique est enfin de faire connaître des personnages encore méconnus : trop souvent les artistes en mouvement ne figurent pas dans les récits historiographiques, ils échappent aux catégories de classement traditionnelles et n’ont que peu de visibilité. Certaines hiérarchies établies de l’histoire de l’art peuvent alors être mises en question, celles liées à une cartographie figée de l’art, mais aussi celles qui distingue encore entre art et artisanat, entre artistes canoniques et acteurs marginalisés.

Date limite pour les propositions : 30 avril 2022
Les propositions (800 mots max.) pour une intervention d’environ 20 minutes (en français ou anglais) doivent être envoyées à l’adresse suivante, accompagnées d’un CV court : marlen.schneider@univ-grenoble-alpes.fr 

Rythmes et résonances. Les objets sonores au Moyen Âge

Appel à communications
Colloque au Centre allemand d’histoire de l’art – DFK Paris (et en ligne)
19 et 20 mai 2022

Organisation : Philippe Cordez (Centre allemand d'histoire de l'art – DFK Paris), Rebecca Müller (Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg) et Joanna Olchawa (Goethe-Universität Frankfurt am Main)

Ce colloque interdisciplinaire sera consacré aux objets médiévaux produisant de la musique tout autant que des sons ou des bruits itératifs : des instruments de musique et automates sonores en passant par l’orgue et les cloches jusqu’aux pièces de monnaie dans l’escarcelle. La question de l’« écho » donné à ces sons dans l’ornementation, les images ou les textes tiendra également une place centrale. Comment décrire et comprendre la relation entre les sons générés par des objets et la vue ou le toucher, ou d’autres sens encore, ainsi que leurs rapports avec la voix et la narration ? Comment les sons étaient-ils faconnés, mis en scène et percus dans les objets et l’architecture, à travers des gestes et des rituels? Quelles étaient les intentions et significations ainsi véhiculées ?

Les propositions de communications relevant de l’histoire, de l’histoire de l’art ou de la littérature, de la musicologie, de l’anthropologie culturelle ou encore d’approches telles que la Sound History et les Sensory Studies sont à adresser sous forme d’exposés d’une page maximum à pcordez@dfk-paris.org,  r.mueller@zegk.uni-heidelberg.de et olchawa@kunst.uni-frankfurt.de d’ici au 15 janvier 2022. 
Pour davantage d'informations veuillez consulter ce document 

Westkunst, 1981 : une historiographie de la modernité mise en exposition 

10 et 11 mars 2022, Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris)

Le Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris) organise les 10 et 11 mars 2022  un atelier de recherche sur l’exposition Westkunst et invite les chercheuses et chercheurs intéressés à y apporter leur contribution et à nous soumettre leur candidature.

Les chercheuses et chercheurs désireux de participer à l’atelier et d’y donner une communication en allemand, en français ou en anglais sont invités à nous soumettre avant le 30 novembre 2021 un résumé de leur intervention (400 mots max.) et une courte biographie (200 mots max.) à l’adresse marnoux@dfk-paris.org et Maria.Bremer@ruhr-uni-bochum.de. Les frais de voyage et d’hébergement des intervenants pourront être pris en charge à certaines conditions par le DFK Paris.
Organisation scientifique : Mathilde Arnoux (Centre allemand d’histoire de l’art, DFK Paris), Maria Bremer (Ruhr-Universität Bochum), Thomas Kirchner (Centre allemand d’histoire de l’art, DFK Paris)

Sous le titre Westkunst – Zeitgenössische Kunst seit 1939 [Art de l’Ouest – Art contemporain depuis 1939], une grande exposition s’est ouverte en 1981 dans les halles du parc des expositions de Cologne. Conçue par le critique d’art Laszlo Glozer et le commissaire Kasper König, elle se composait de douze sections historiques et d’une section contemporaine, intitulée Heute [Aujourd’hui], et présentait quelque 700 à 800 pièces. On pouvait y découvrir, en plus d’une sélection d’œuvres d’art et de documents d’archives, des reconstitutions d’accrochages d’expositions et d’ateliers d’artistes, ainsi que neuf films réalisés spécialement pour l’occasion. Dans l’ensemble, ce panorama centré sur l’Ouest mettait en avant les thèmes avant-gardistes de la « liberté » et de l’« expression individuelle », à forte connotation politique. 

Pour davange d'informations veuillez consulter le document ci-contre 

Cours d'automne 2021

Le cours d’automne « Initiation au français scientifique et à la pratique de la recherche en France » permet à de jeunes historiens et historiens d’art allemands de découvrir le fonctionnement institutionnel de leur discipline en France. 

Chaque demi-journée est consacrée à un cours de langue spécialisée, auquel s’ajoutent des présentations des principales institutions parisiennes : l’Institut national d’histoire de l’art, la documentation du musée d’Orsay et du Louvre, la Bibliothèque Kandinsky et d’autres archives et bibliothèques importantes.

Des conférences de spécialistes complètent les visites des différents sites. Le cours d’automne se déroule en général dans la seconde moitié du mois de septembre, en coopération avec l’Institut historique allemand (IHA) de Paris. D’une année sur l’autre, le cours se déroule tantôt au DFK Paris, tantôt à l’IHA.

Réservé aux chercheurs allemands.

Renseignements :

Centre allemand d'histoire de l'art Paris, Hôtel Lully, 45 rue des Petits Champs, 75001 Paris - Dr. Julia Drost : jdrost@dfk-paris.org

Institut historique allemand Paris, Hôtel Duret-de-Chevry, 8 rue du Parc-Royal, 75003 Paris - Prof. Dr. Rolf Große: rgroße@dhi-paris.fr

Veuillez suivre le lien pour l'appel à candidatures.

CFP - Plafonds peints en Europe (XIVe-XXIe siècles) : formes, fonctions, fictions

Colloque organisé par le Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris), la Ludwig Maximilian Universität (Munich) et l’université de Bourgogne (LIR3S, CNRS, UMR 7366) : 2-3 décembre 2021.

Apparus au Moyen Âge et devenus à l’époque moderne l’un des espaces les plus importants du développement de la peinture, de la décoration intérieure et des représentations du pouvoir, les plafonds peints ont constitué jusqu’à nos jours des œuvres de prestige, mettant en œuvre une poétique et symbolique propres. 

Ce colloque examinera aussi bien des études de cas que des réflexions générales, mettant à profit les apports récents de la recherche dans une perspective d’histoire croisée. 

Les personnes qui souhaitent présenter une communication (qui ne durera pas plus de 20 minutes) sont priées d’envoyer une proposition ne dépassant pas 500 mots en allemand, anglais, français ou italien et une courte biographie de 100 mots avant le 31 mai 2021 à l’adresse suivante : plafondspeintsfff@gmail.com.

La rencontre se déroulera à Paris, en présence des intervenants, ou en visioconférence si les dispositions sanitaires l’exigent. Un temps long sera consacré aux discussions. Des visites de site sont prévues. 

Pour davantage d'informations, veuillez consulter l'événement ci-après.

Appel à candidatures : atelier de recherche international
Les expositions universelles à Paris – (re)productions d’art et de mode
19 mars 2020

Organisé par le Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris) en coopération avec la Technische Universität Darmstadt

Date limite pour l’envoi des candidatures :
31 octobre 2019

Appel à candidature à télécharger

Appel à candidature

Colloque International de jeunes chercheurs France- Allemagne / Internationales Nachwuchskolloquium Frankreich – Deutschland

10-11 janvier 2019, Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris),

Institut national d’histoire de l’art Paris (INHA)

Date limite de dépôt des candidatures : 15 novembre 2018

Les candidats peuvent adresser leur dossier complet (lettre de motivation, brève description de projets sur une ou deux pages et CV) jusqu’au 15 novembre 2018 à kolloquium@dfk-paris.org

Marine Acker (marine.acker@inha.fr) et Marthje Sagewitz (msagewitz@dfk-paris.org) se tiennent à disposition pour tout renseignement complémentaire.

(Pour la description du CFP, veuillez télécharger le document en haut)

Call for papers

V. Forum Kunst des Mittelalters – Ponti – Peaks – Passages Bern – 18.-21. September 2019 

Sektion 9:
Die Brücke in der Stadt. Passagen, Bilder, Handel, 12.–14. Jahrhundert
Sektionsleitung: Philippe Cordez (Paris)
Sponsored session: Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Paris

Plus d'information / Weitere Informationen / More information 

CALL FOR PAPERS

Marché de l’art et collections d’œuvres d’art en Allemagne et en France de 1900 à nos jours

Programme de recherche franco-allemand

Berlin, Allemagne, du 8 au 10 novembre 2018
Paris, France, du 11 au 13 mars 2019

Date limite d’envoi : 14 septembre 2018

Crises des réfugiés, guerres commerciales, débats sur les migrations : L’Europe se trouve aujourd’hui dans une phase de transformation, elle-même inscrite dans un contexte de bouleversements géopolitiques, économiques et culturels. Parallèlement, l’histoire de l’occupation et de la domination coloniale issue des pays européens acquiert une place de plus en plus importante dans les sciences et les politiques scientifiques (trans)nationales.

Telles sont les dynamiques actuelles qui influent sur le programme de recherche franco-allemand 2018-2019, mis en place par le Forum Kunst und Markt/Centre for Art Market Studies de la Technische Universität Berlin et par le Centre Georg Simmel de l’École des Hautes Études en Sciences Sociales, en coopération avec le Centre allemand d’histoire de l’art Paris. Son sujet principal est l’étude du commerce et des collections d’œuvres d’art de 1900 à nos jours en Allemagne et en France, en tenant compte d’un ancrage dans les réseaux nationaux et transnationaux ainsi que des interférences avec la politique de l’art et de la culture. Cette période historique recouvre deux guerres mondiales, des occupations, des crises économiques mondiales, des krachs boursiers, les années du miracle économique, la Guerre froide, ainsi que la fondation de l’Union Européenne, la chute du Mur de Berlin, sans oublier les crises contemporaines citées précédemment.

Le but de ce programme, financé par l’Université franco-allemande/Deutsch-Französische Hochschule (UFA/DFH), est de mettre en réseau, de manière transnationale et transdisciplinaire, et sur des recherches concernant le marché de l’art, les musées et les collections d’œuvres d’art, les doctorant(e)s et post-doctorant(e)s travaillant actuellement dans le domaine évoqué précédemment. Lors de journées d’études/conférences à Berlin et à Paris, ils présenteront leurs propres recherches, s’entretiendront avec des expert(e)s et spécialistes du pays voisin et, dans le cadre d’un programme d’accompagnement, auront accès aux « laboratoires » de musées et de recherche, aux maisons d’enchères, aux galeries et aux archives.

Pour accéder à ce réseau de recherche franco-allemand, il est indispensable de participer à deux programmes de recherche, l’un n’allant pas sans l’autre : le premier à Berlin du 8 au 10 novembre 2018 et le second à Paris du 18 au 20 mars 2019. Il est également requis de prendre en charge une intervention de 20 minutes, lors de l’une des deux journées d’études/conférences, pour présenter son projet de recherche dans le contexte thématique du programme.

Une partie des frais de voyage et d’hébergement est prise en charge. Le détail des différentes modalités administratives des partenaires franco-allemands du projet sera communiqué au terme du processus de sélection.

La langue des conférences est l’anglais à Berlin (sujet : « Commerce et collections d’œuvres d´art en Allemagne et en France de 1900 à 1945 »), le français et l’anglais à Paris (sujet : « Commerce et collections d’œuvres d’art en Allemagne et en France de 1945 à nos jours »). Les dossiers de candidature doivent être envoyés au plus tard le 14 septembre 2018, avec présentation de l’intervention (longueur maximale 2000 signes, espaces compris) et CV à l’adresse : germanfrenchprogramme@gmail.com.

Les participant(e)s sont sélectionné(e)s de manière commune par les organisations franco-allemandes. Les résultats seront communiqués au cours du mois de septembre 2018.

Conception et organisation : Dorothee Wimmer, Elisabeth Furtwängler (Centre for Art Market Studies/TU Berlin), Denise Vernerey-Laplace, Hélène Ivanoff (Centre Georg Simmel/EHESS, Paris), Julia Drost (DFK Paris)

Appel à communications

L’histoire de l’art et les objets

Atelier de jeunes chercheurs (doc / post-doc / MCF)

Centre allemand d’histoire de l’art, Paris

en partenariat avec le groupe de recherches « Objets prémodernes. Une archéologie de l’expérience » de la Ludwig-Maximilians-Universität de Munich

30-31 mai 2018
 

Pour plus d'information veuillez accéder sur cette page

Acheter le merveilleux – galeries, collectionneurs et marchands du surréalisme, 1945 – 1969
28-29 septembre 2017 au Centre allemand d’histoire de l’art, Paris

Veuillez adressez votre candidature avant le 30 juin 2017.

Pour plus d'information veuillez accéder au document sur cette page 

Atelier de recherche international pour jeunes chercheurs en histoire et théorie de la photographie:

« Paris – haut-lieu urbain, institutionnel et artistique de la photographie »

Paris, 03 – 07 juillet 2017

Date limite pour l’envoi des candidatures: 24 février 2017

Manifestation organisée par le Centre allemand d’histoire de l’art – DFK Paris,

en coopération avec l’Université Paris Ouest Nanterre La Défense et l’Universiteit Leiden,

avec le soutien de la Deutsch-Französische Hochschule – Université franco-allemande, Sarrebruck (http://www.dfh-ufa.org)

Veuillez consulter le dossier et télécharger les documents sur cette page.

Mobility Objects, Materials, Concepts, Actors

Buenos Aires, September 30 - October 8, 2017

Transregional Academy on Latin American Art II

Applcation deadline: February 28, 2017

For further information please open the following Website

Modernités pittoresques

Le régionalisme architectural comme processus global (1890-1950)

Date : 30 novembre – 2 décembre 2016

Centre allemand d’histoire de l’art Paris

Concept : Michael Falser (Université de Heidelberg)

Colloque international organisé par le Cluster of Excellence « Asia and Europe in a Global Context » de l’université de Heidelberg (Global Art History), en collaboration avec le Centre allemand d’histoire de l’art Paris, le Centre de recherche interdisciplinaire en histoire, histoire de l’art et musicologie de l’université de Poitiers (CRIHAM / Département d’histoire de l’art et archéologie), le Centre André Chastel (CNRS/Université Paris-Sorbonne/ministère de la Culture et de la Communication), et l’Association d’histoire de l’architecture (A.H.A.).

Date limite pour soumettre une proposition : 15 août 2016

Pour plus d'informations, veuillez consulter ce document.

« Réalité autre, mais réalité quand même »

Hans Hartung et l’abstraction

Colloque international au Centre allemand d’histoire de l’art Paris,

12/13 janvier 2017

Conception :

Thomas Kirchner (Centre allemand d’histoire de l’art Paris)

Antje Kramer-Mallordy (Université Rennes 2/Archives de la Critique d’art)

Martin Schieder (Universität Leipzig)

Avec le soutien de la fondation Hartung-Bergman, Antibes

Date limite des candidatures : 12 septembre 2016

Veuillez trouver plus d'informations dans le document joint.

Journée d’études consacrée à Otto Dix - Lundi 28 et mardi 29 novembre 2016

Toutes les soumissions doivent inclure la présentation précise du sujet de l’intervention (3000 signes max., en français, allemand ou anglais) et un CV détaillé avec la liste des publications.
Un fichier unique (Word ou Pdf) rassemblant l’ensemble de ces pièces doit être adressé à Aude Briau, assistante scientifique, Musée Unterlinden : abriau@musee-unterlinden.com
Date limite du rendu des dossiers : 16 mai 2016
Les intervenants seront avertis de leur participation à la journée d’étude début juin 2016.

Veuillez trouver des informations plus détaillées dans ce document pdf.

Images exotiques.
L’appel du lointain en histoire de l’art

Atelier de recherche au Centre allemand d’histoire de l’art (DFK Paris), en coopération avec le Sackler Research Forum du Courtauld Institute of Art

Paris, 9 et 10 juin 2016

Deadline
29 février 2016

En tant que symptômes d’un vide, les « images exotiques » pointent un besoin de l’histoire de l’art qui peut être interrogé de manière tout à fait positive sous un angle historiographique. Le colloque se propose d’examiner les différentes motivations qui sous-tendent ces discours dans une perspective méthodologique critique et du point de vue de l’histoire des idées.

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